Libertad

(Murales de Limassol, Chipre)

El turco cantor

Raíces árabes e italianas en un presente granadino, pero pasando sin embargo por Buenos Aires. Y en latinoamerica a los arabes o descendientes de arabes se les llama “turcos”: Martin Rago, el turco cantor. Voz, guitarra, y mucho tango. Acento indudablemente argentino en una sonrisa indudablemente mediterránea. En colaboración con el Dúo Polonara-Cassisi estrena un nuevo disco: Tanguero Viejo. Y nos cuenta algo de su música.

Martín, que quiere decir hoy en día tango cantado, y cual su relación con el baile?

El tango cantado en mi opinión es una expresión completa del género, ya que junta un poco todo; la música, la poesía, el canto y el baile; es como el punto de encuentro de todo. No hay que olvidar que cuando nace el tango, a todos se les pone letra para cantar, y obviamente eso se bailaba. En un principio eran estribillos; luego se fue haciendo más complejo, con letras y melodías más elaboradas. Yo no suelo hacer ese tipo de distinciones entre tangos cantados y bailados; y supongo que toda esta “polémica” es inútil y viene por claras deficiencias en como se enseña a bailar tango y en algunos cantores que no suelen respetar el ritmo … En fin, es un tema largo para desarrollar en pocas líneas.

Cual es el papel de la guitarra en el tango?

En el tango hay dos vertientes instrumentales claramente definidas; una de ellas la guitarrística, con una tradición muy larga y con muchos grandes intérpretes. No hay que olvidar que es uno de los pocos instrumentos que perduran en el genero desde su nacimiento; y esto se debe fundamentalmente a que la guitarra es “el” instrumento mas importante en la música española, y esta la que mas influyó en el tango. Otro punto a destacar es el repertorio en que ahonda, que suele ser el mas campero y el lunfardo. En estos últimos años han surgido gran cantidad de grupos de guitarras, con lo que se ha dado una vuelta de tuerca en los arreglos, como está realizando hace unos años el “Cuarteto La Púa” con un trabajo interesantísimo.

Que vamos a encontrar en “Tanguero Viejo”?

“Tanguero Viejo” es tanguero desde el título! Y esa ha sido la idea principal desde su concepción. En los últimos años he estado haciendo cosas de fusión y quería retornar a la idea de tango puro y duro; aunque eso sí, el tango que a mí me gusta; y es fuerte y con un acento importante en la parte rítmica. Conté con el trabajo de dos musicazos con los que compartimos la misma idea: Dario Polonara y Gustavo Cassisi. En el disco podremos escuchar un trabajo en donde los tres tenemos el mismo peso; la voz funciona como un instrumento más. Encontrarán en él, un trabajo elaborado en el que no se pierde la esencia de esta rica música rioplatense, lo que yo llamaría “honestidad musical”.

Alma en quena

Los instrumentos artesanales tienen almas, ya sabemos. Los de madera encima tienen carácter. Es la gran cualidad y la incomparable ventaja respecto a los instrumentos de producción industrial, no cabe duda. Pero hay que saber vivir con ellos, con su temperamento y sus imprevisibles cambios de humor. Hay días buenos y días malos. Hay días que un quena toca sola, sólo aceptando sugerencias, con una nitidez y calidad de sonido y de ejecución que quizás va más allá de las capacidades del músico que está dándole energía. Hay días que no hay forma, ya te digo, días que una quena no chuta, no tiene ganas, no arranca, sea lo que sea, como sea y porqué sea. Ahora yo entiendo que hay factores que pueden directamente influir en el tejido intimo de un instrumento. Factores que lo caracterizan desde afuera, como las capacidades acústicas del medio en el que se toca, y donde sutiles variaciones pueden revolucionar una frecuencia. Y factores que lo caracterizan desde adentro, como la temperatura o la humedad que le entran hasta las células. Luego, hay factores que influyen en el músico. Factores ambientales y culturales que le moldean humor y espíritu. Y factores más tangibles, como presión sanguínea o hidratación que pueden aportar diferencias mínimas pero relevantes en la gestión física de labios o manos. Todo ésto tiene seguramente un peso a la hora de ejecutar música. Solo que, pensando en cuanto puede cambiar el resultado, tengo dudas en asumir que estos factores puedan explicarlo todo. Se aceptan ideas, sugerencias, y confesiones.

Por quién dobla la milonga …

Musicalizar una milonga es tema delicado. Tienes que decidir la secuencia de temas que irá moldeando la pasión (o el malhumor) de quien baila aquella noche. Y no todos vienen a bailar por la misma razón. Hay quien busca poesía, quien busca desahogo, quien busca pasar el rato, quien busca pasiones y quien busca rencores, quien busca el pasado, el presente, o el futuro, quien busca la memoria y quien el olvido, y quien solo busca un amigo, o una pareja. Quien musicaliza una milonga se enfrenta a una multitud relativamente heterogénea, a sus diferentes esperanzas y expectaciones, a sus diferentes necesidades y a sus diferentes posibilidades. Quien musicaliza una milonga recogerá el merito y la critica de la sala, en función de factores que van a menudo más allá de sus solas capacidades musicales. Por un lado la multitud, inquieta, pasional, cruel, quizás a veces sin criterio cierto pero sí con las ideas bien claras, y con todo el derecho de defenderlas. Por el otro el director del baile, artista o chivo expiatorio, en función de donde tira el viento. Y a éste otro lado hay quien musicaliza por si mismo, triunfo escénico de una sabiduría autoreferente y del placer egocéntrico del control de las marionetas. Luego hay quien musicaliza por los otros, resultado de una humildad sincera y productiva, del placer de complacer, o a veces solamente de una lícita prostitución artística en busca de clientes o de un trabajo, disfrazada por profesionalidad y nobleza de oficio. Y por supuesto hay quien musicaliza por el tango mismo, por defender el tango, promocionar el tango, apoyar el tango, contar el tango. O por lo menos esto cree, a veces con mucho acierto, a veces con menos. Entre las muchas dinámicas sociales que están detrás de éste sistema tan complejo como primario, merece la pena mencionar una probablemente relevante: la relación entre el “carácter” de una musicalizacion y su éxito. Cuanto más una selección será “convencional”, cuanto menos despertará los corazones pero a la vez cuanto menos será criticada. O sea, una selección un poco sosa no anima, pero no molesta. En cambio, si la selección se desarrolla con un carácter muy fuerte y decisiones particulares, aumentarán a la vez los que se apasionan pero también los que discrepan. Ahí quizás está la mano fina: elegir un punto cómodo entre un sereno aburrimiento y una contrastante pasión …

Setenta

Last night I dreamed that I was a child, out where the pines grow wild and tall. I was trying to make it home through the forest, before the darkness falls.

I awoke and I imagined the hard things that pulled us apart will never again, sir, tear us from each other’s hearts. I got dressed, and to that house I did ride from out on the road, I could see its windows shining in light.

My father’s house shines hard and bright. It stands like a beacon calling me in the night. Calling and calling, so cold and alone, shining `cross this dark highway where our sins lie unatoned.

B. Springsteen

Mil y una copas

Después de una última copa, siempre hay otra. Benjamin Franklin, entre los relámpagos de una intensa vida política y científica, proyectó y construyó la copa infinita. Los elementos se disponen verticales en secuencia creciente de vibración, y un pedal le da la energía para que giren ellos en lugar de las manos. El resultado se llama armónica de cristal, y es un instrumento mágico. Su canto recuerda la hipnosis de la sirenas, sus frecuencias puras y sin solución de continuidad llenan el espacio de forma total, llegando hasta el corazón del cerebro. Y como las sirenas, su canto puede enloquecer. Con ésta cadena lógica (y un par de casos sospechosos) la armónica de cristal fue prohibida, por ser causa de desgaste psíquico. Pero la copa infinita no estaba embrujada, sino solo y sencillamente envenenada: plomo. El plomo del cristal, con la calma hipnotizadora del canto, entra a través de la piel, y mientras el canto resuena en el cuerpo, el plomo se queda en sus tejidos. Teoría más robusta de las sirenas, pero igualmente no demostrada, y suficiente a condenar a la armónica en sus almacenes históricos. Pero hasta entonces la armónica era instrumento “común”, tocada oficialmente en orquestas, por grandes compositores y hasta por reinas. Hoy en día es instrumento desconocido, de formas y canto mágico y fantástico, entre los recuerdos olvidados de intentos históricos fracasados y ciertas geometrías con olor a viejas películas de ciencia ficción. Pueden rumores entre ciencia y magia destinar al olvido un instrumento tan particular y tan increíble? Seguro la complejidad estructural de la armónica, las dificultades de gestión de tal cacharro, y porque no sus precios probablemente no muy populares, no habrán ayudado a su camino. Los instrumento evolucionan y se extinguen, como las especies vivientes. Ahí está el resultado: un invento increíble, antaño de éxito real, en un par de siglos se queda curiosa rareza y fascinante caso estudio para un post sobre evolución y extinción de los instrumentos musicales. Pero la evolución no se para: después de una copa, ya vendrá otra.

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Garrahand!

Aunque la música sea el resultado de una integración total entre melodía, armonía, y ritmo, ésta última componente se suele a menudo considerar más independiente de las otras dos. Quizás sea por cierta tradición histórica, la cultura occidental a menudo separa el percusionista de “los otros” instrumentistas. Evidentemente en cuanto uno empieza a viajar adentro de la música y de sus mil formas, pronto y fácilmente se entera que éstas barreras solo son esquemas poco útiles y alejados de la realidad instrumental. El vibráfono es un elemento clásico de conjunción entre el mundo de la percusión y las componentes armónico-melódicas, pero también hay casos más sutiles como por ejemplo el didgeridoo, instrumento de viento percusivo y armónico. En los últimos años el mundo instrumental se ha enriquecido también con una familia de instrumentos percusivos con evidente componente melódica, que están revelando potencialidades sin ninguna duda interesantes. El Garrahand es uno de estos, y nos lo presentan sus mismos padrinos.

Que es el Garrahand, cual es su historia?

El Garrahand es un nuevo instrumento de percusión electro-acústico, capaz de generar melodías y armonías. El Garrahand comenzó como un regalo para quien fue mi profesor de percusión, el gran percusionista argentino Mariano “Tiki” Cantero. El y otros integrantes de la Bomba de Tiempo fueron los primeros en utilizar los prototipos iniciales y sugerirnos los cambios que creían harían el instrumento mejor; los escuchamos e implementamos cada uno de sus pedidos, con mucho trabajo y mucho ingenio. Hoy día el instrumento es utilizado por los percusionistas de Peter Gabriel, Sting, Björk, Madonna … ha hecho un gran recorrido desde las pampas Argentinas al mundo!

Es un instrumento percusivo melódico, como el Hang o el Hapi, pero en que se diferencia de los otros instrumentos de la misma familia?

Es de la misma familia del Hapi, un instrumento de lengüetas de metal. No es de la misma familia del Hang, que genera el sonido de forma diferente. A diferencia del Hapi y de todos los otros instrumentos de lengüetas, el Garrahand es electro-acústico, y sus lengüetas pueden afinarse fácilmente por el usuario logrando casi todas las escalas posibles. El sistema electro acústico es novedoso. Es una patente original nuestra, que permite que el sistema capture solo el sonido de las notas del garrahand e ignore y aísle completamente sonidos viniendo de otras fuentes (ruido de fondo, otros instrumentos, etc.). El sistema tiene salida balanceada (como la de los micrófonos) y desbalanceada (como para enchufar en un amplificador), y switch de tierra/masa.

En que estilos o en que contexto musical se está utilizando más?

Realmente en todos los contextos que existen. Desde chamanismo hasta sanción con Reiki; desde música electrónica hasta rock sinfónico; desde pop hasta folklore; desde personas tocándolo solos en una montaña, hasta conciertos en estadios llenos; ya casi no hay un contexto en el cual el Garrahand no se haya utilizado aunque sea algunas veces. Y en nuestra base de datos de mas de 140 videos (en Youtube) se puede apreciar todo esto fácilmente!

Que es Garrahand News?

Es nuestra forma de mantenernos en contacto cercano con nuestros endorsers, músicos, gente que compró el Garrahand, o quienes están interesados en comprarlo en el futuro … es una forma de mantenernos cerca de nuestra familia Garrahand. También es una forma de presentar ante una audiencia grande los vídeos que se van generando alrededor del mundo utilizando el Garrahand en diferentes contextos, fomentando la creatividad. Estamos muy orgullosos de haber llegado al numero 62!!

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La última copa

Ultima de treinta y nueve. Trece filas de tres cada. La disposición parece recordar los órganos de una iglesia, su geometría hipnótica de cañas y círculos. Pero todo cabe en una mesa, aunque seguro que no es instrumento de bolsillo. Tampoco es instrumento de funda, so pena sea una funda muy particular. Vamos, nada fácil de llevarse en una mochila, o de viaje, o tampoco a una tasca … Tan solo desplazar todo unos pocos metros si hace falta para cumplir con acústica o logística de una sala de ensayo, puede sonar un pelín agobiante. Es un caso raro en el cual las copas mejor no utilizarlas para animar una noche de juerga … Pero a pesar de todo esto, vaya, el esfuerzo parece que compensa, no cabe duda. Velocidad y precisión de una mano firme y de una mente entrenada se transforman en vibraciones ordenadas y limpias, estructuras y combinaciones de ondas que llenan el espacio integralmente, llegando a cada rincón con un patrón acústico que recuerda la organización geometricaménte perfecta de los retículos cristalinos. Y mientras el oído se queda adicto con la pureza del sonido, el baile mágico de las manos conquista la mirada, dirigiendo su propia orquesta. Siempre se dice que con unas copas se toca mejor, pero en este caso se necesitan evidentemente muchas, muchas más.

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Anatómica

Entre un cerebro que organiza música y un instrumento que produce sonido hay una interfaz que tiene la seria responsabilidad de trasformar combinaciones armónicas, melódicas, y rítmicas, desde pensamiento a vibraciones: el cuerpo. Diferencias entre individuos por sus capacidades musicales a nivel de “cognición” puede que las hay, pero seguro no lo sabemos. Pero diferencias físicas entre individuos o hasta entre grupos humanos sí que las conocemos, y bastante bien. Hay una estructura profunda de huesos, músculos, y nervios. Y hay elementos más evidentes como labios, manos, o dedos. En ambos casos pequeñas diferencias en una forma o en una posición, aunque quizás sin llegar a determinar destinos, a lo mejor sí que pueden facilitar, obstaculizar, u orientar una ejecución musical. Pequeñas diferencias que incentivan una elección o que influyen en la dirección de un camino, y que igual a largo plazo pueden pesar más de lo que valen. Los grupos humanos sobre todo tienen diferencias en los rasgo faciales, y quizás los instrumentos de viento pueden estar más influenciados que otros por características asociadas a forma y estructura de labios, nariz, mandíbula, o garganta. Las mismas diferencias anatómicas entre grupos las hay evidentemente también entre individuos del mismo grupo, o hasta dentro de un mismo individuo: las asimetrías entre lado derecho y izquierdo pueden ser tan sutiles como importantes, y es suficiente pensar en los muchos que tocamos el didgeridoo solo por un lado de la cara para entender posibles consecuencias de estas mínimas variaciones en la distribución de musculos, nervios, y cartílagos. Probablemente hay instrumentos o estilos donde las características físicas cuentan menos, y otros donde la diferencias se notan más. Y seria interesante saber si, al momento de desarrollar folclore, un pueblo inconscientemente moldea sus instrumentos optimizando los recursos naturales de su propio cuerpo.

El maravilloso mundo de Iz

En 1939 se estrenaba “El Mago de Oz”, dirigido por Victor Fleming sobre la novela de Frank Baum, y en el 1940 “Over the Rainbow” saca un oscar. Voz de Judy Garland, música de Harold Arlen, letras de Yip Harburg. El 22 de Junio muere Judy Garland, 1969. Es el mismo año del primer “Orgullo Gay”, y Judy Garland con su arco iris se levanta en las voces y en los símbolos de la fiesta, de la unión, y de la igualdad, buscando sueños y esperanzas en la melodía cantada por Dorothy. Pues en junio (1969) muere Judy Garland, a los 47. Y en junio (1997) muere Israel Ka’ano’i Kamakawiwo’ole, a los 38. El 12 de julio sus cenizas llegan al mar, acompañadas por todos los colores del arco iris … Había nacido el 20 de mayo de 1959.

Feliz cumple, Iz!